夏爾克的音樂故事

我的樂譜(Zen-on) 蕭斯塔科維契第九號交響曲，是為慶祝第二次世界大戰，蘇聯對德國戰勝而寫，本來構想是 一首宏大的，帶有獨唱與合唱的交響曲，如同貝多芬的第九，當時的政府對此也樂觀其成， 他在戰勝前的1944年就動筆，1945年初完成第一樂章的部分。 但樂曲的創作中斷，直到確定戰勝的7月26日才又開始，8月30日就完成，結果是一首完全與構想不同的作品，既沒有獨唱也沒有合唱，更沒有宏大規模，反而演奏時間只要二十幾分鐘，是他的純器樂交響曲中最短的，原先完成的部分也被棄置。此舉觸怒了蘇聯領導人史達林，認為他在開玩笑，慶祝偉大的戰勝，竟然寫這種東西？在11月3日由大指揮家穆拉汶斯基進行首演後，接下來就是一連串的整肅，甚至被禁演( 穆拉汶斯基沒留下此曲錄音) ，蕭斯塔科維契也停止自己的交響曲創作，直到1953年史達林去世，他才正式寫作第十號交響曲，第九號交響曲也於1955年解禁。 很悲慘的故事，不是嗎？後來許多評論，也一面倒的認為第九號交響曲，就只是個輕鬆愉快的作品，甚至老蕭本人也有發表類似的觀點，導致此曲長期以來，被畫上了刻板的印象，喜歡宏偉大交響曲的聽眾，對此曲也多有偏見。原因是不管貝多芬，還是舒伯特，布魯克納，馬勒的第九，都是生涯壓軸的鉅作，但老蕭的第九是怎麼回事？ 其實，百聞不如一聽，記得我第一次聆聽時，覺得開頭的主題真的很像是海頓或莫札特，當然是輕鬆有趣，但不是莫札特式的輕鬆，而是像他早期歌劇，大膽又充滿諷刺意味的”鼻子”那樣的輕鬆，有聽過”鼻子”的人就知道，這根本是一種黑色幽默，骨子裡是可怕的，如同劇情的荒誕，與器官支解的恐懼。後來樂團總奏的部分，因為樂器編制較小，沒有那麼厚重或喧鬧，但就像一個精密的機械在運作，給我的感覺只是更可怕而已… 如此的曲子不好分析，但我還是要指出幾個明顯的特徵，樂團編制是傳統的二管制，外加法國號四支，兩支小號，三支長號，一把低音號，與貝多芬交響曲差不多，打擊樂是規定要三人，不過樂器都是常見的定音鼓，大鼓，小鼓，銅鈸，三角鐵，鈴鼓等。 範例是由名指揮家巴爾夏指揮WDR Symphony Orchestra Cologne的演出。 第一樂章 ：快板，滿活潑的。但剛開始很難辨別是小調還是大調，尤其當降g音出現(0:14)，好像是降e小調，像是要滑倒一樣，但很快就回到G音(0:15)，恢復大調，相當樂觀的感覺，此段算是第一主...

1913年演出的海報，滿有暴風雨前的寧靜感 舞劇”春之祭”，音樂由俄國作曲家史特拉汶斯基( Igor Stravinsky,1882-1971)所作，副題為：分為兩部分的異教俄羅斯圖畫。構想很有可能來自於他本人，1910年他曾表示： 「我在想像中看見了一場盛大的異教祭祀儀式的景象：古老的智者圍成一圈，觀看一個年輕女孩死亡時的舞蹈，他們將女孩獻祭，以祈求春天之神為他們帶來吉祥。 」 在 ”春之祭”由 俄羅斯芭蕾舞團首演以前，看似反對華格納的他，也去了拜魯特看樂劇”帕西法爾”的演出，並與德布西一起四手聯彈已完成的第一部分。1913年5月29日在巴黎香榭麗舍劇院首演，當時造成爭議，歷史上常以”暴動”稱之。 但兩天後的再演出，與兩個月後的倫敦首演都平安無事，現在有些人，甚至認為兩個禮拜前首演的德布西舞劇”遊戲”(Jeux) ，對後人的影響更大，這兩齣都是由舞蹈家尼金斯基編舞，花了極多時間排練。 首演以前的最後排練很順利，沒想到一開演，低音管使勁往上的吹奏，聽說讓在座的作曲家聖桑憤而離席(註：史特拉汶斯基本人否認此事)，然後有許多嘲笑聲，造成 贊成與反對的人對罵，甚至互毆，導致台上舞者無法聽到音樂，尼金斯基還必須數拍子給他們，才能繼續演下去。 不過到第二部分，一切都正常不少，舞劇也演完了，舞團，樂團與指揮蒙都(Pierre Monteux)，以及史特拉汶斯基本人都謝幕了，而隔年(1914)以音樂會的形式演出，更是大成功，所以有人把首演造成騷亂的原因歸咎於舞者服裝過於奇怪，還有舞者重踏地板，觀眾怕舞台塌陷所造成的恐慌…並非音樂本身的問題。 首演時的少女舞者服裝 個人也是這麼以為，我現場聽過純粹音樂會的”春之祭”至少也有五次了，每次都覺得很興奮，甚至好玩，一點都沒有想”造反”，比起1905年首演的史特勞斯” 莎樂美 ”(Salome)，實在可愛太多了！(我現場看莎樂美是目瞪口呆，也 覺得有反感) 初看"春之祭"的總譜，我最驚訝的是，怎麼拍子變換那麼頻繁？不會造成演出者困擾嗎？雖然變換拍子是他讓曲子發展的重要方式，但也未免太過了？ 後來才知道，常常修改自己作品的史特拉汶斯基，也會嫌那些變拍子很麻煩，而寫出變拍子較少的版本，只是未能出版，大概只有自己指揮時會使用吧！ 樂團編制極大，達到了五管編制，不但要長笛三支，還要加短笛一支，中音長笛一支。雙...

我也很喜歡的兩台鋼琴改編版 從以前，柴可夫斯基第一號鋼琴協奏曲就是我最愛的協奏曲，現場聽的次數更是多，印象最深刻的是2020年2月的國際大師鋼琴大賽，在國家音樂廳連聽了兩次這首曲子，非常過癮，當時正在疫情大爆發的前夕，後來就久沒進音樂廳，更讓我印象深刻。 2020年2月17日於國家音樂廳 這曲子在1875年完成時，本來要交給當代著名鋼琴家&作曲家尼可萊‧魯賓斯坦(Nikolai Grigoryevich Rubinstein)首演的，但遭其強烈批評，只好交由德國著名鋼琴家畢羅(Hans von Bülow)，由他在美國波士頓進行首演，獲得成功，魯賓斯坦撤回他的批評，柴可夫斯基也更改作品，現行的版本若與原版比較起來，在剛開始就有差異~那非常堂皇的序奏，本來是配上鋼琴夢幻的琶音伴奏，現行版卻是相當強力的和弦敲擊。 這個樂章開頭就很吸引人，其壯闊優美猶如閃耀華麗的光芒，但又帶有些俄羅斯的憂鬱，讓人印象深刻。請聽著名俄國鋼琴家的普雷特涅夫的演奏，雖然那開頭法國號的向下音型，有如被管弦樂總奏鞭打了兩次， 才從降B小調轉到關係大調降D大調(0:11)，音階也轉為上升，才開始了曲子。 緊接的 序奏 是全曲最讓人激賞的部分，聽過一次大概就很難忘記，但後來似乎就消失，都不再出現了？這是音樂史上的一個謎。我原先也相信這流傳已久的說法，而隨著多聽，發現這根本經不起考驗，聽聽這段旋律，隨著大幅度攀升有如波浪的鋼琴，一開始還是下降音階(0:15)，隨後則出現一個動機(0:18)，它的樣子是(方框部分)： 基本上是從高處掉落下來，然後從導音，升半音回到主音，可稱為 三音動機 。此動機在整個序奏以及後半頻繁出現，像是(0:46)，以及結尾的(0:50)。隨著鋼琴強調此下降音階，做出各種華麗裝飾後，這旋律又再度開始(2:23)，這次第一，第二小提琴，中提琴，大提琴相隔三個八度一起奏出，更顯華貴，鋼琴也有如飛升般翱翔，當然 三音動機 還是存在，也以此做結尾(2:58)，還是可一直聽到(3:02)。 沉靜下來，雖然鋼琴裡面還是有好幾個三音動機，而把序奏主題打散式的斷續節奏可稱為 第一主題 (4:12)，又回到剛開始的降B小調，將斷續的旋律整合起來，成為更流暢的音樂(5:30)，此時三音動機出現(5:42)，似想轉到大調，中止前面的小調，試了幾次才成功，此動機已可稱為 第二主題...

若說什麼音樂，最能給我夕陽西下，形單影隻的感觸，大概就是這首布拉姆斯第四號交響曲了。 這不僅是布拉姆斯寫曲時可能的感懷，還見證了浪漫主義即將到極限開始沒落，此時已十九世紀末，離第一次世界大戰，與調性音樂的崩解不遠了...而這種夕陽的感覺，也帶來一種人性的溫暖。 曲子1885年首演時雖獲得成功，但覺得詭異的人也不少，一方面所用的e小調在當年是屬於陰暗怪異調性，拿來做交響曲的主調有些奇怪，在第二樂章使用了古老的調會調式，最後樂章也是巴洛克 的帕薩卡利亞舞曲，不但懷舊而且復古，也被認為是內容空洞，一句有名的評論："這是個空包廂的回音"，讓我印象深刻，本來以為只是無的放矢的惡評，但聽久了以後，還真的覺得這評論有點意義，不過不是整句，而是最後那兩個字： 回音 。 為什麼呢？我以為整首曲子常充滿著回音效果，就拿 第一樂章 開頭的 第一主題 來說，小提琴奏出下降三度後，長笛，豎笛&低音管，也像應和或回音那般，奏出一樣的下降三度，其節奏都是一長一短，有如在嘆息： 接下來的幾個小節也是一樣，都是應和或回音，只是節奏不同，也造成節奏複雜化或交錯的結果，算是布拉姆斯的重要特色。而這些應和或回音，是代表什麼呢？難道是喚起舊日的回憶？ 見以上影片，是拉圖與柏林愛樂的名演。 第二樂章 開始(13:26)，竟然還是一個應和或回音效果，先是法國號吹出弗里幾亞調式音樂，低音管，長笛，雙簧管再依次應和，如在山谷吹號的感覺： 當然，這種模仿主題的方式在巴洛克時代常見，賦格或卡農就是這樣，這又是一個布拉姆斯喜歡古代曲式的證據了，只是如上所說~他的節奏更加複雜，所用和聲也更豐滿。 那應和或回音效果只有這樣嗎？當然不只。在 第一樂章 第一主題由第二小提琴重覆時(0:43)，換成大提琴&低音提琴以相距五度音回應，還加上了中提琴，豎笛，低音管等如樹葉飄落的情景，更加動人，而突然轉到屬調b小調，用的是讓人錯愕的直接方式(0:36)，好像打了個寒顫，好不容易拉回原調，b小調卻又陰魂不散！ 也可聽的出來，這裡是一個樂句，與下一個結構類似的樂句之互相回應，注意這三個音 (1:26) ~會是很重要的動機： 小提琴奮力想衝破(1:28)，到了主調e小調的關係調G大調，又很快被打斷(1:43)，這下完全是b小調的天下了~大提琴奏出此調的旋律 (常被稱為 第二主題 ) ...

德弗札克的”聖母悼歌”(Stabat Mater)完成於1877年，是捷克第一首宗教音樂鉅作，於1880年首演於布拉格，又於英國演出，非常受歡迎，算是他走出捷克，第一部被國際認同的作品，他的知名度也因此打開。 但時至今日，”聖母悼歌”已很少演奏了，一方面是規模龐大，約要八十分鐘以上，主要是聖母看到自己兒子被釘十字架上而死，所表達的悲哀，難免讓現代人覺得沉重，就敬而遠之了…歌詞來自十三世紀的天主教讚美詩，許多作曲家都曾為之譜曲，有名的像是裴高雷西，羅西尼，德弗札克，以及我最喜歡的威爾第(他這部作品是一生最後完成的)。 但要注意的是~悲哀歸悲哀，若明瞭耶穌之死是為了為人們贖罪，而祂自己也在第三日復活了，所以這災難，其實是為了更美好的祝福，就不需要那麼悲傷了... 這首曲子的發想，常被認為是 德弗札克 哀悼夭折的女兒，他自稱是寫給一位年少時的朋友做為紀念品，只是在作品完成前另外兩個小孩也夭折(真是禍不單行)，也影響了最後的完稿，加入了更動人的哀思，以及進入天國的盼望。   以上是Belohlavek指揮捷克愛樂的版本， 雖然大多是哀悼的經文，但有其過程，也有某些戲劇性，在印象中，德弗札克的音樂是比較保守的，這首曲子卻有些奇怪，主調是b小調， 第一樂章 卻以屬音 升F音 開始，樂團一個一個演奏，從低到高，或許表達聖母仰頭，看到兒子耶穌被釘在十字架上的驚愕，但如此布局是有深意的~ 升F音 是關係大調D大調的第三級音，暗示會以此調光明來結束，這調性與貝多芬第九號交響曲的快樂頌，巴哈B小調彌撒曲最後樂章也是相同的。 但現在還沒有~反而是墜落式的半音下降(0:33)，有如悲傷潰堤，還出現恐怖的減七和弦(2:23)，下降音階被撐住了，好像她努力堅強起來 (3:05)， 先由男高音聲部領唱：” 悲傷的聖母站在十字架旁流淚 ” (3:52)，其他聲部再一一加入，那些上上下下的音階猶如淚水流淌(淚水動機)，在" lacrimosa"(7:26, 流淚 )再度出現減七和弦-對莫札特安魂曲知曉的朋友應該能領會這個詞的意義，此時的合唱非常悲劇，也像在勉力支撐… 隨後男高音雖唱著悲傷的歌詞(9:00)，氣氛卻明亮了些，半音下降也有上升音階與其對抗，雖心疼耶穌基督的母親要受這樣的椎心之苦，但合唱進來重複最前面(14:42)，經過一番對抗，最後真的以B大調結束了(18...

  佛瑞夜曲樂譜的封面 佛瑞(Gabriel Fauré,1845-1924)是法國作曲家，生於南方，接近庇里牛斯山麓的帕米耶市，父親是小學老師，並非是音樂世家，但佛瑞很早就展現音樂天分，十歲就去了巴黎的尼德麥耶音樂院就讀，這是一間以培養教會音樂人才為主的學校，與著名的巴黎音樂院不同。佛瑞在那遇見了聖桑，這位前輩教了他許多新音樂的作法，尤其是與聖桑熟識的李斯特與華格納，後來他擔任教會的管風琴師，並在沙龍裡彈琴發表作品，因為很受歡迎，曾被稱為是｢沙龍中的花蝴蝶｣。 他在音樂界的地位日趨重要，1892年擔任巴黎音樂院的作曲教授，1905年在著名的"拉威爾事件"後，被任命為巴黎音樂院的院長，這對於非巴黎音樂院出身的他來說是很不容易的，足見其聲望。當時拉威爾屢次申請羅馬大獎，卻都被明顯阻擾無法獲獎，此事後來成為醜聞，導致院長杜布瓦下台。佛瑞上任後厲行改革，推翻保守風氣，被稱為｢暴君｣，而拉威爾正是佛瑞的學生，也受他很大影響。但此時他已患上耳疾(不是聽不到的那種，而是音準聽不出來@@)，在此情況下仍奮力作曲，最後以七十九歲逝世，當代作曲家理查史特勞斯，德布西，拉威爾，艾爾加都很尊敬他。 佛瑞很少有大型作品( 安魂曲是個例外 )，多半都是鋼琴曲&藝術歌曲與室內樂，如同香水一樣散發芳香，相當特別，可能是作曲家中最具時尚意味的，也是法式音樂的極致。他雖與貝多芬一樣都有耳疾，但沒像貝多芬寫遺書，也沒在作品裡努力對抗命運，更沒有巨人般驚天動地的腳步聲，但貝多芬也寫不出佛瑞那樣的輕鬆寫意，與纖細慵懶的時尚感，對佛瑞來說，遇到殘酷命運或許只是聳聳肩，然後繼續過日子吧，這樣不也滿開心的？... 他的鋼琴曲主要有13首夜曲，13首船歌，9首前奏曲，4首圓舞曲等等，一聽就與蕭邦有很深的關係，佛瑞當然很崇拜蕭邦，但他的曲子本質與蕭邦有很大不同，尤其沒有那種憂鬱澎湃的感覺。個人最喜歡的是他的第四與第六號夜曲，可說是他的代表作，寫於最全盛的中年時期，這些曲子都不好演奏，有一個原因是轉折轉調太多，中間很容易迷路，其調式風格異於調性音樂，涵蓋音域範圍也廣，連大鋼琴家霍洛維茲都不太敢公開彈奏他的作品。 所謂的｢夜曲｣，並非是一定在夜晚演奏的曲子，只是風格優美浪漫，速度也比較慢，常見的方式為高音部如夢似幻的旋律，佐以分散和絃式繁複的伴奏，曲式多半是 ABA ，不過到了18...