夏爾克的音樂故事

  我的總譜( Boosey & Hawkes) 拉赫曼尼諾夫的 交響舞曲於1940年完成，1941年首演，是拉赫晚年的大作，他說："我不知道會發生什麼事，但這可能是我最後的火花"。果然，這就成為他最後的作品。 一直覺得此曲有些怪怪的，但其魅力就在於其怪異，別具特色。範例是孔德拉辛指揮莫斯科愛樂的名盤，也是我目前唯一擁有的此 曲版本。 第一樂章 雖然是c小調，但一開始的英國管吹奏的向下小動機，卻收尾在升f這個音(0:06)~此音與主音c相隔增四度，是滿奇怪的： 後來的中提琴也出現這個音(0:08)，在剛開始就給了曲子詭異的感覺。另外此向下的小動機，為弱起拍，也是此曲特色，給人有突然跑出來的感覺，在此樂章有一堆。 還有雖明顯是c小調，卻很少有導音b，聽來反而像是調式音樂，或自然小音階，而非和聲小調，有古老之感，讓人想到東歐的民歌。 在一陣強大音響後，此動機開始發展(0:38)，注意又是在弱拍加強音(0:57)，突然竄了出來~然後的鋼琴用了極低音，竟然比管弦樂更震撼(1:25)！此動機也反轉往上。 中段 剛開始轉到升c小調，還是缺乏導音，反而是中音薩克斯風的吹奏，有些 慵懶模糊的音響， 讓人豎耳傾聽 (3:30)，： 後來到升f小調(6:08)，更是缺乏導音，就像一首古老的民謠，也不要忘記了這升f音，在剛開始就是個異質的存在，在此躍升為主角， 更身處在全樂章的中心 ！ 當第一段再來臨時，還飛到了很遠調性才回來(8:28)，完全出人意表，也是精妙所在，在第一段許多部分重覆後，在鐵琴，鋼琴，豎琴的叮噹聲中， 第一號交響曲 的主題由弦樂合奏響起(9:59)，抒情而感人，但回顧一下，英國管就再度吹出升f音(10:45)，樂章就又回到開頭的曖昧結束。 第二樂章 是很古怪的六拍子圓舞曲，剛開始出現的，用法國號的阻塞音，正是那個升F音(11:14)！也真是太巧合啦~此音在降A大調中是個怪胎，摻在木管中更是神怪，好像阿拉伯音樂@@...也可對應他第一號交響曲的風格。 小提琴奏出第一樂章主要的下行動機(12:36)，升F音再度神出鬼沒於英國管，雙簧管等獨奏中(13:01)，還漸漸以導音身分，將曲子轉到g小調，這樣是很神妙，但哪有強調導音的呢？導音應該主要是為解決到主音…尤其這段小提琴與大提琴齊奏的抒情段落(13:49)，後來即使轉...

  第一版樂譜封面(UNIVERSITY) 拉赫曼尼諾夫第二號鋼琴奏鳴曲，算是他主要作品之一，題獻給從小認識的好友，1913年約四十歲左右完成，在當年首演時並不成功，還被譏為”給犀牛演奏的作品”(1909年的第三號鋼琴協奏曲則被譏為給大象演奏的作品)，足證演奏的費力，與音符的繁多。 晚年的1931年，他大幅度修改曲子，尤其把第二與第三樂章一些複雜的樂段刪除，使曲子的演奏時間盡量壓縮在二十分鐘之內，這樣是簡潔許多，但後人看法兩極，鋼琴家也分成兩派，各有所好，以我個人而言，我偏愛1913年原版，因為比較淋漓盡致，技巧更艱難，演奏效果也更好。 這首曲子有個很著名的現場影片，就是由鋼琴家霍洛維茲( Vladimir Horowitz) 演奏的，他是拉赫極信任的鋼琴家，由於拉赫認為此曲或許未盡完美，甚至授權讓他修改演奏他自己滿意的版本。影片剛開始他就展現了對比鮮明，動態強大的演奏，加重的低音與輕巧的跳躍交錯，手一下像是大扇子拍掉困難音階，一下又像是愛撫琴鍵，簡直是無所不能。 第一樂章結尾那些三十二分音符，他用"輕風掃落葉”般的彈過去，更不要說第二樂章中段他如何處理那些繁多聲部，與第三樂章最後歇斯底里般的狂喜，都讓人印象深刻。但是…他彈奏的並非1913年版，也非完全是1931年版，第二第三樂章都有刪減，也不照譜上的力度彈，只能當作欣賞而已，若要1913年版，我還是以匈牙利著名鋼琴家Zoltán Kocsis 的演奏為範例。 第一樂章 降b小調，激動的快板，4/4拍子。剛開始下降音階是小調，但如他作品常出現的鐘聲那樣，出現兩個"強音"，一下頑強的站上大調(24:31)，這兩個音相距三度音程： 當改變拍子時，左手彈出半音下降音階(24:35)，呼應樂章剛開始，但這次是弱起拍，這兩個因素~擊打的鐘聲與半音下降音階，將是全曲的主要因素，其他兩個樂章也都有。而這半音下降手法，在他有名的第二號鋼琴協奏曲第二樂章，已展示其美麗憂鬱之處了… 這裡就是 第一主題 了，在重覆後，半音下降轉為右手的高音(25:00)，並轉換調性，鐘聲也不再那麼強烈，三度消融於糾纏的音階中(25:15)。。通過搖曳的低音(幾乎有種爵士樂效果)，第一主題再出現(25:34)，卻更加激烈，鐘聲開始連打，半音下降幅度也更寬廣(25:38)，這雖是右手，但左手也有這個半音...

  拉赫瑪尼諾夫第三號鋼琴協奏曲，作品30，寫於1909年夏天，9月23日完成，是為了在美國旅行演奏，由於時間緊湊，他在去美國的船上以無聲鍵盤練習，同年11月28日在紐約首演，由他自己彈奏鋼琴，Damrosch指揮紐約愛樂，1910年1月16日由當時在美國的馬勒，指揮同樂團演奏第二次。 而排練時，樂團團員對此曲也意見頗多，但馬勒說： ”大家請安靜，這是首傑作 ”(真是英雄惜英雄)。拉赫瑪尼諾夫因此很感謝馬勒，將他與大指揮家尼基許並稱。後來拉赫也常演出刪減的版本，大概是因為技術太難也很長，願意放在演出曲目的鋼琴家不多。但名鋼琴家霍洛維茲不這麼認為，他稱這首協奏曲為「我的曲子」，並在世人面前展現其高超技術，他與拉赫曾經一起彈奏這首曲子的雙鋼琴版，也完成了世界的首次錄音。 到後來，演奏這首曲子的鋼琴家越來越多，到現在已是世界最受歡迎的鋼琴協奏曲之一了，我在台灣現場就聽了七次，每次都驚訝於其難度與複雜，情感之熾熱，和那無邊無際的浪漫情懷...也不禁思考著一個問題：這曲子最重要的，似乎是剛開始的那個主題，但這旋律是從哪來的呢？... 歷來有不少猜測，有人說來自俄羅斯民歌，有人說來自東正教聖歌，拉赫本人都加以否認，只說是自然形成，自然發展。直到我聽到捷克作曲家德弗札克1879年的「小提琴協奏曲」後，似乎找到了答案... 初聽時，我就發現這兩首曲子很像了。請聽德弗札克小提琴協奏曲第三樂章K段的音樂(以下影片25:13)，Špaček演奏： 這是很典型的d小調旋律，從 d 開始，到 f 音(隱含小三度音程)，通過導音 升C ，又回 d音 。拍子方面是2/4拍，也就是每小節有二拍，獨奏小提琴拉出了旋律，節奏帶有切分音(有改變重音效果)的特色： 而搭配的法國號卻是以三連音為一拍，一小節有兩拍，也就是兩組三連音，與小提琴的2/4拍子形成不對稱的組合，也是此曲有趣之處。 再聽拉赫第三號的第一樂章(見以上影片，名鋼琴家volodos演奏)，這是4/4拍子(每小節四拍)，也是d小調，有個簡短前奏，因為第一拍休止，每小節等於是有兩組三連音，也一樣是從 d 開始到 f音 的小三度音程： 第一主題 由鋼琴彈出(0:07)，一樣是從 d 開始，到 f音 (注意又是小三度音程)，通過導音 升g ，又回 d音 ，而大提琴聲部，可聽到很明顯的切分音，並帶有短-長節奏，也與德弗...

  在莫斯科音樂院就讀時被認為是稀世奇才的拉赫瑪尼諾夫，無論鋼琴演奏及作曲上都極為成功，但他的「第一號交響曲」首演卻是一敗塗地，遭到嚴厲惡評，讓他對作曲的意願及信心全部瓦解，幸得催眠師達爾(Nikolai Dahl)治療，漸漸恢復，並寫作「第二號鋼琴協奏曲」，由第二，第三樂章開始著手，最後完成第一樂章，於1901年首演獲得大成功，在這段期間的所有抑鬱及憂思，以及衝破困難後的喜悅，都表現在這首傑作之中，加上優美的旋律，高度的演奏技巧，到現在仍是鋼琴協奏曲中數一數二的名曲，以下影片是著名鋼琴家李希特與華沙愛樂演奏的版本。 第一樂章 c小調，中板，奏鳴曲形式。響起俄羅斯東正教鐘聲似的和弦，這樣的聲音常迴盪在他的作品中...由f小調主和弦開始，加上 降d 這很不和諧的音(0:09)，而 降d-c 的半音差正是這首曲子的重點： 在打擊數次，越來越強後，就將主音f解決到屬音c，降d也解決到c，將不和諧的能量釋放出來，進入沉重的c小調(0:30)，獨奏鋼琴則以分解和絃方式演奏， 第一主題 由低音域的弦樂開始(0:35)，配合低音的重擊反彈，漸漸往上提升，經過類似他崇拜的柴可夫斯基"天鵝湖"的悲情嚮往(1:10)，鋼琴再奏出第一主題(1:58)，以及快速的跳躍音型(2:23)，轉到關係調降E大調，相對明朗抒情的 第二主題 (2:37)，稍解前面的沉重氣氛，有連續性的三度模進往下(2:45)，相當抒情，他在第三號鋼琴協奏曲也會常用此手法。這旋律會不斷升高，而且有更華麗的音階做為伴奏，並在結尾轉回c小調(4:31)。 又出現了快速的跳躍音型，以及宣告的喇叭聲，轉為G大調(5:01)， 發展部 由第一主題開始(5:11)，但音型是 c-降d~c-降d ~(又是一個半音差)，這不是開頭那些和弦嗎？只是現在被分散開了，此主題(鋼琴)變得更緊湊，產生出新的音型(5:25)，與原來的第一主題(第一小提琴)結合(5:30)，此主題後來也到了木管聲部(5:54)，然後是第二主題(6:11)，鋼琴不斷敲出鐘聲似的和絃(6:15)，讓人想起序奏，這段也是相當困難之處，尤其需要左右手配合良好(6:43)，在頂點第一主題回到c小調(6:48)，以弦樂出現，鋼琴繼續演奏那敲擊的鐘聲(旋律是新的音型)，兩者結合達到最高潮， 可謂驚天動地， 也是再現部的開始。 然後第二主題出乎意...

每次只要看拉赫曼尼諾夫生平的記載，常都會提到他因為1897年「第一號交響曲」首演慘敗，而陷入人生低潮，好幾年時間幾乎成了作曲上的「植物人」，直到後來的名作「第二號鋼琴協奏曲」誕生，才一躍到達生涯的高峰，接下來就去講「第二號鋼琴協奏曲」去了，說這首曲子有多棒多成功，那麼「第一號交響曲」呢？還是別提了吧... 但初演的那些酷評反而是讓我感興趣的原因，有名的俄羅斯五人組的音樂家 居伊 (Cesarius-Benjaminus Cui)，可說是拉赫曼尼諾夫的長輩，他對「第一號交響曲」的評論是：「 如果地獄有音樂學校，那這首曲子可說是優等生拉赫曼尼諾夫為聖經中十災為題材所寫的。他高明的完成了作品，讓地獄裡的人欣喜萬分。但對我們地上的人來說，這曲子給的邪惡觀感有：寫的鳥鳥的旋律，莫名其妙的形式...低音寫得亂七八糟...全部的和聲都寫的病態...不單純不自然...還有，交響曲的主題在哪裡？... 」 這實在是很毒辣的批評，可以想見當時拉赫曼尼諾夫所受的打擊之重，甚至還有人說他像 布拉姆斯 ～奇怪，像 布拉姆斯 有什麼不好嗎？但想到他的偶像柴可夫斯基曾經酷評過布拉姆斯，就知道這也不會讓他高興。自此後他有想 要修改，但後來卻決定封存，其實只要聽過第一號交響曲或看看總譜，就知道僅二十出頭的他，當年為了譜寫這首龐大的交響曲花了多大心力，抱持了多大的期待，一敗塗地確實是難以承受之重... 年輕時的拉赫曼尼諾夫(右) 而1917年，俄國爆發了無產階級革命，皇室搖搖欲墜，屬於「有產階級」的他可能因為覺得危險，而永遠離開了俄國，慌亂中竟然忘了把第一號交響曲的樂譜帶走，自此行蹤不明，現存的樂譜是在他死後兩年，才以初演時的樂團分譜形式在列寧格勒國立圖書館被發現，由此重新組合復原總譜，並在他曾逃離的俄國舉行復活後的初演，大獲成功，只可惜他已經看不到了... 時至今日，第一號交響曲還是他比較不著名的作品，遠不如他的第二號交響曲，或是第二第三號鋼琴協奏曲，這些作品抒情美妙，旋律動人，但就是缺乏了第一號交響曲那樣的魄力及大膽的創意。想想～若不是這首交響曲被完全否定，他可能就會朝馬勒式的規模寫曲，從而誕生更多壯麗的作品，也許就不會有接下來的那些名作了，是好是壞真的很難判定，歷史有時就是這麼弔詭。 見以上影片，這是由俄國指揮 Valeriy Platonov 指揮 Perm Opera and Ballet...

   一提到拉赫曼尼諾夫，大家就想到他的鋼琴協奏曲，他也一向以鋼琴家的形象聞名，但在一八九二年，他尚在 音樂院就讀時，因為要寫畢業作品，而由教授亞連斯基(Anton Stepanovich Arensky)挑了一個劇本「阿列科」(Aleko)，這是由普希金的敘事詩「吉普賽人」所改編的，結果拉赫曼尼諾夫花了十幾天將它寫成歌劇，大受教授好評，還得到金質獎章。 大作曲家柴可夫斯基那時已接近生命的末期，他相當佩服這個年青人的歌劇，積極安排在莫斯科大劇院首演，不只排練的時候到場，也加入了與觀眾一起喝采的行列，讓拉赫曼尼諾夫覺得無比的榮幸，首演大為成功。然後十月拉赫曼尼諾夫又指揮在基耶夫首演，這也是他第一次擔任歌劇指揮，我們知道後來他也擔任了莫斯科大劇院的指揮，所以他並不只對鋼琴，對歌劇其實也相當熟悉。 「阿列科」目前是他唯一為大家所熟知的歌劇作品，只有一幕，上演時間只要一小時左右，不能說內容很豐富，但與劇本相當契合，能深入表現吉普賽人的生活情調，像是 在自由與放蕩間，不斷輪迴的悲劇，旋律更是淒美絕倫，不輸他之後的鋼琴協奏曲，所以很值得一聽喔。翻譯方面我因為不懂俄文，所以用以下影片的法文字幕來翻譯，這也是個很有意思的新製作，在法國洛林國家歌劇院上演。 原著由普希金寫於一八二四年，那時他在俄國南部高加索地區流放，也觀察當地吉普賽人的生活，所以才能寫的這麼生動，讓人心痛及無奈...而拉赫曼尼諾夫的歌劇就從長笛一個旋律開始，這是用增四度音程，再加上空虛的五度和絃組成的，象徵吉普賽人自由而虛幻的性格： 但後來漸漸悲憤而激烈起來，使用了後面主角阿列科殺死愛人賽妃拉的悲劇音樂。在陰暗不吉利的低音號演奏不和諧和聲後(2:47)，大提琴演奏出三個音的動機(3:00)，這在後面也會出現。 序曲結束後是第一首合唱，吉普賽人唱著(4:16)： 流浪的生活，到處紮營，吉普賽在天空下安穩的睡著，蓋著好幾層毯子，在馬車之間。 然後又用模仿的形式唱著(5:08)～哪裡都是我們的道路，哪裡我們都可以生活。然後返回開始的旋律，唱著(5:47)： 從早起到睡眠，一邊唱歌一邊工作... 然後是吉普賽老人唱的歌，大家都圍在他的身邊。他唱(7:52)： 也許是這首歌的魅力，從我破碎的記憶中，突然那些快樂與悲傷的日子又甦醒了... 群眾要老人繼續說(8:30)，這時又出現全劇剛開始的長笛...

  為了聽12/31國家交響樂團(NSO)的歲末音樂會，發現節目單裡，有一首我很不熟的曲子~拉赫曼尼諾夫的｢鐘｣，這是什麼啊？於是就引發了我的興趣，聽了後覺得很有意思，就寫篇文 來預 習一下了。 這首合唱曲｢鐘｣(Колокола,The bells)， 寫於1913年，歌詞根據美國作家愛倫波(Edgar Allan Poe,1809-1849)的詩｢鐘｣的俄語版，作品呈獻給著名指揮孟格堡(Joseph Willem Mengelberg)與阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團，原因是他們之前演奏第三號鋼琴協奏曲相當成功，但結果並未由此團進行首演，而是在當年的12月13日，由拉赫曼尼諾夫自己指揮馬林斯基歌劇院管弦樂團與合唱團首演，獲得成功。 當初他會想寫這首作品，據說是因為一位女性粉絲，以匿名方式，希望他能為愛倫波這首詩作曲，並以為這首詩就像為拉赫曼尼諾夫所作的，後經考證，這位學生就是莫斯科音樂院的大提琴學生達尼洛娃(這事是拉赫曼尼諾夫去世後才知道的啦) 拉赫曼尼諾夫身為俄國人，對｢鐘聲｣本來也特別有興趣，也覺得愛倫波這四首鐘聲的詩，象徵著人生的四個階段，銀鐘(童年)，金鐘(婚禮)，銅鐘(老病)，喪鐘(死亡)，剛好可做成一首四樂章合唱交響曲，就利用在羅馬停留的1913年1月到4月，於柴可夫斯基曾住過的同間房子，努力完成了這部作品，後來他稱為這是自己最喜歡的(重要)，同時作曲的還有第二號鋼琴奏鳴曲。 編制方面，獨唱有女高音，男高音，男低音，加上一個混聲合唱，管弦樂規模則相當大，基本上是四管編制，有短笛，英國管，倍低音管，法國號要六支，小號三支，長號三支，低音號，還要四個管鐘，鐵琴，三角鐵，鈴鼓，鑼…等打擊樂器，也要配置鋼琴，鋼片琴，管風琴等，毫無疑問是他最大型的作品。 雖然這曲子首演成功，但當年就有一些批評，最主要是覺得沒能表達愛倫波詩中那些奇怪情景或象徵主義內涵，反而走的是｢俗豔｣路線，這樣說也有一定道理，｢鐘｣作為他最重要的合唱作品，在後世受歡迎程度卻遠不如他的鋼琴作品，一再出現的｢末日經動機｣(古早葛利果聖歌關於末日審判Dies irae的旋律)也有可能太過陰暗，甚至令人厭煩，但他對人生的看法，與本人的性格，相當完整的表現出來，不管你喜不喜歡，這~就是一個完全的｢拉赫曼尼諾夫｣吧。 以下是著名新生代俄國指揮家Yurovsky的版本，個人相當喜歡，歌...