夏爾克的音樂故事

  聽藝術歌曲舒緩一下心情是很好的。我對這種形式本來無感，近年才有改變，除了舒伯特的冬之旅&天鵝之歌，真正喜歡上的，大概就是佛瑞的”美好的歌” (La bonne chanson)。 可能是學了法語的關係，對法國詩歌開始有些興趣，特別是美好的歌作者魏爾倫。  這首詩是他寫給妻子的，描述的好像是什麼天仙美女…但魏爾倫其實是同性戀，難道他描寫妻子的美，卻沒有真正愛上她？  後來他與詩人韓波同居，拋棄妻子，真是渣男！說實在，還不如不要知道這些，純粹欣賞詩歌就好。  這連篇藝術歌曲，也是佛瑞為別的女人寫的(不是他妻子)，然後這位女人後來還嫁給了德布西…總之就是很亂。  更奇怪的是，這個詩集明明是從男人的視角來看女人，但首演，佛瑞竟然答應由女高音來演唱…結果我最喜歡的版本，還是費雪狄斯考以男中音來演唱的版本，這到底符不符合佛瑞原來的意思呢？  我覺得日文維基寫的很好，佛瑞改變了原詩的順序，卻讓這些歌更有連續性，九首歌分別代表（前面是歌名）：  1. 在她的光環中的聖女--介紹愛人  2. 既然晨光升起--與她相遇，人生開始有希望。  3. 森林中的白色月光--月光照耀，引人安眠。  4. 我曾偏行險路--回顧過去人生。  5. 我幾乎害怕，真的--因為愛而產生的不安。  6. 在妳消失之前--向著自然，表明自己的想法。  7. 因此，這將是一個晴朗的夏日--夢到兩人結合。  8. 不是嗎--互相確認愛意。  9. 冬天已逝--歌頌愛情成就。  這樣理解這套曲子，就會簡單多了，給大家做參考(圖片是魏爾倫和他的妻子)

  聽聽著名女高音Kanawa唱的拉威爾“天方夜譚”，當年其實是為了杜帕克的藝術歌曲買的，這些管絃樂伴奏的歌曲很有意思。  在此寫點自己的感想。“天方夜譚“剛開始就出現了阿拉伯風味的音階--下降的一個半音+一個小三度，這並非自然音階，拉威爾的音樂也不按牌理出牌，時時轉調，展現東方的神秘感。  好玩的是，詞由“Tristan Klinsor"所作，這位法國詩人想必受到華格納極大影響，Tristan與魔術師Klinsor分別是華格納樂劇崔斯坦與伊索德與帕西法爾的人物，直譯就是“悲傷的魔術師”。  第一首“亞細亞”，歌詞甚長，但也並非不知歌詞意思，就無法欣賞，降e小調也明顯，轉調後，就說要去這些童話般的東方國家：乘坐紫色的帆船，像金色天空中的巨鳥，音樂也飛揚起來，然後就是大馬士格，波斯的尖塔，人們像是柳橙的膚色，還有精明的商人，掌握生殺大權的裁判官與大臣，再來伴著豎琴的夢幻轉調，就來到中國...  果然就出現一堆五聲音階，與鋼片琴，有大肚子的官員，奢華的王妃，爭論的文人，更有拿著大彎刀的劊子手，看來在東方的神秘與童話中，總是夾雜著殘酷...然後是最重要的:愛與恨的死亡，總奏形成全曲的高潮，帶有華格納的意味，並回到降e小調，也是少數用純正小調和聲的。 最後他回國了，對人講述東方的故事，還不時像回教國的人一樣，因為含著菸斗吞吞吐吐，阿拉伯旋律再現，結束全曲。  至於第二與第三首，較短也缺乏東方情調，我就比較少聽了，這首亞細亞已很夠。

  昨天在淑瑛家，聽聲樂家湯發凱介紹義大利作曲家托斯第（Tosti），我以為他身為義大利作曲家，有寫歌劇，但他沒有，而是專注在歌曲上，這些歌曲不長，且不難理解，和所謂德國藝術歌曲不同。  在短短幾分鐘內，要把情感抒發的完整且淋漓盡致。湯老師現場演唱了小夜曲，Amailli，萬福瑪利亞，祈禱，四月，夢，吻我，索吻，小嘴巴，最後的吻，繆斯，最後的歌…等托斯第歌曲，這原來是一場珍貴的，近距離托斯第歌曲音樂會。  今天也體會到一點，那就是：歌是要唱給人聽的！這些歌都有其對象，有的是現在的愛人，或是過去的愛人，或將死之愛人，就是要有那樣情感連結的對象，才能帶著濃烈感情唱出來吧！  所以不是把歌曲抽離出來，當聲樂藝術來欣賞，而是活生生的感受其熱情，體會其傾訴，這時歌詞就顯得很重要，如果不懂歌詞只聽歌，如何能知道對方在表達什麼？這樣就沒有意義了。 就像人家在對你告白，你卻聽不懂，不是很煞風景? 湯老師很重視這個，即使他又彈又唱，都快忙不過來時，仍注意螢幕的歌詞顯示，有沒與他的歌聲對應，若沒有會馬上字幕翻頁，一切都是他自己完成的，多麼用心。 我聽到了那使盡全力，只要愛人的一個吻，但再也要不到，因為愛人死了…還有只因一個沈醉的吻，讓他失去愛人後，仍能歌詠頌讚。還有就只因為一個美麗的吻，讓他忘卻了世間所有苦痛與煩惱！  那樣的追索著接吻，有點濫情與風騷，可是當接吻能拯救自己時，這一切就理所當然了，也才能唱出那濃烈的味道，那是帶有肉感的熱情，是活生生的音樂，感謝湯老師以熱誠的態度，熟練的技巧，可愛的幽默，把這些展現在我們眼前。  （有人認為這些歌詞只是把妹招數或戀愛傻白甜，但既然是欣賞音樂，就不是現實問題，而是能否沈浸在其中的問題了） 還有我往後聽音樂時，不只是欣賞，也要注意其傾訴的對象，到底是誰了...

  舒伯特的天鵝之歌( Schwanengesang,D.957)是他的三大連篇歌曲之一，收錄了在他生命最後一年所創作的歌曲，共有十四首，詩人 萊爾斯塔勃( Ludwig Rellstab)為第一到第七首的詩作者，海涅為第八到第十三首，第十四首作者是賽德爾( Gabriel Seidl)，所以並不像他的"冬之旅"一樣有連續性的情節，而是在他去世後由出版商編輯而成，取名"天鵝之歌"是因為相傳天鵝死時叫聲最淒美，當然也是為了紀念他的逝世。 萊爾斯塔勃本來是委託貝多芬寫曲，但當時貝多芬身體已很差，只是他也沒委託舒伯特作曲，所以看到樂譜很驚訝，這位詩人也很有名，就是他將貝多芬第十四號鋼琴奏鳴曲，取名為"月光奏鳴曲"的。海涅則因為自己的詩能配上這麼好的音樂而感動， 賽德爾本來就是舒伯特圈子裡的朋友。 與前一年完成的"冬之旅"類似，" 天鵝之歌" 多半都是以失戀，或思念為主題的歌曲，這真的是永遠寫不膩的主題。前幾天。我被一位樂友詢問，舒伯特的天鵝之歌，特色到底在哪裡呢？ 於是我很認真的把這個曲集聽完，覺得音樂常常表面平靜，內心卻是憂慮，所以會運用表面大調，暗裡小調的手法，也讓曲子的意境充滿了轉折。 我先推薦歌詞翻譯的兩個版本，一個是由我的好友，部落格格主深河所翻譯的，他這個譯本辭句非常優雅，有詩的意涵，符合原作的文學性： https://classic-blog.udn.com/mobile/7speranze/180807700 另一個則是有德文與中文對照，在bilibili上的版本： https://www.bilibili.com/read/cv25472696/?jump_opus=1 非常感謝他們。先聽聽第一首" 愛的信箋 (Liebesbotschaft)"，演唱者為著名男中音費雪狄斯考，鋼琴則是Moore，也是我認為的最佳版本。這明顯是思念遠方愛人的作品，歌詞如下：(由深河所翻譯) 潺潺流小溪，銀亮而潔白， 請你向心愛，奔馳且輕快； 小溪最信賴，請你當信差， 捎去我問候，遙寄千里外。 花兒朵朵在，伊人庭院栽， 鍾情而穿戴，綻放在胸懷； 所屬其玫瑰，深紅光澤開， 小溪受託拜，清涼洗塵埃。 岸邊若徘徊，恍神於夢懷， 想我...

舒伯特的連篇歌曲”冬之旅”，完成於1827年，也是他去世的前一年，充滿沉重絕望的氣氛，當時舒伯特的身體已很不好，可能自知不久人世。詩作來自於同時代的詩人繆勒(Johann Ludwig Wilhelm Müller,1794-1827)，舒伯特之前也有將他的詩集”美麗的磨坊少女”寫成連篇歌曲。奇怪的是，兩人生活的年代幾乎重疊，卻沒有見過面，繆勒身兼詩人，學者，出版商，宮廷顧問，應該是相當忙碌。 當舒伯特將全部二十四首歌曲前十二首完成時，請他的朋友來聽，卻沒得到好評，友人大多驚訝於其內容黑暗悲觀，只有”菩提樹”讓人寬心。舒伯特倒是很有自信，認為他們最終會喜歡這些歌曲的。只可惜，在全部歌曲都出版時，舒伯特已經去世。 這套歌曲後來逐漸為世人接受，被視為德奧藝術歌曲的經典之作，至今傳唱不輟，其中的”菩提樹”很受歡迎，也常被單獨演出。但問題來了~如果不是只聽冬之旅的一兩首曲子，而是聽全套二十四首曲子呢？這麼沉重的氣氛，絕望而找不到出口，聽的完嗎？ 對過去的我來說，答案是否定的，因為我從未能一次認真聽完過，但近日去爬山時，竟然毫不費力的一次聽完了，還意猶未盡，要不是該下山了，我聽第二遍也沒問題！ 不知道是不是與主角一樣，都在”行走”的原因，其實在山上運動，也滿像在”流浪”的，這裡走走那裡走走，加上看到沿途景物，突然覺得”冬之旅”裡面的一切，都是如此貼切到位。那長久以來都被視為是連篇歌曲的”冬之旅”，真的有個故事情節嗎？還是僅只感情抒發？ 以上是著名男中音 Matthias Goerne的演唱，鋼琴則是目前當紅指揮家Christoph Eschenbach。 先看第一首曲子” 晚安 ”，流浪者告別了愛人，獨自踏上旅程，心愛的女孩要嫁給有錢人了，他認輸離開，在夜晚中，走上冰天雪地，也是旅程的開始，以下是舒伯特第一頁的手稿： 至於為何是雪地呢？雪有兩種功能，一種是寒冷，一種是覆蓋。他剛離開時雖放棄愛情，但心還是火熱的，冷酷的雪卻有可能將之澆熄，所以他已沒有未來。而雪也將他過往與愛人的甜蜜回憶覆蓋，也就沒有過去。既無過去也無未來，流浪者只能在現在，無意義的如同遊魂飄盪。 這是首d小調的曲子，還是要提醒，幾年前首演的貝多芬第九號交響曲開頭也是此一調性，但"冬之旅"顯然不可能像貝九一樣輝煌結束，其意涵值得玩味。而開頭的音樂聽似平靜，卻有一個和聲的衝突...

  這幾年最讓人不解的經濟現象，就是印了那麼多鈔票，卻沒有造成通膨，也沒有讓景氣繁榮，這些印出來的鈔票到底去哪了呢？ 經濟這種東西看起來很複雜，但說穿了，也只是供給與消費關係而已，經濟要好，供給就要少，消費要多。反之若經濟蕭條，那很可能就是相反的情況～供給太多，消費太少。 這狀況很容易了解，一個區域若是只有一家店，那一定比有十家店的生意來的好。所以即使印了那麼多鈔票還是不景氣的原因就出來了～這些鈔票是不是沒去消費端，反而跑去供應端了呢？ 這很有可能。目前利率極低，供應端如果要舉債開店，建廠等要負擔的利息都很低，所以有利於大舉擴張。當然，你也可以說人們要「舉債消費」所付出的利息也很低，但「舉債開店」為的是賺錢，多半是具有財力的人所為，所以對他們還是有利的。 但要「舉債消費」的人可能多是一般民眾，他們未必有這種意願與能力，而且利率低也造成了其利息減少，更不利其消費，所以近年來各國競相調降利率，以為可以增加投資及消費，結果前者是做到了，後者卻是遲遲無法跟上。 過多的投資及擴產，反而造成價格的低落，使得本該通膨的經濟，反而成為通縮，這種弔詭的情況屢見不鮮。而這些年來，農業及某些原物料，因為缺乏投資或受自然環境限制，價格反而走高。 所以我想大部分政府為不景氣開的藥方都是錯誤的～不是一再的調低利率，就是拼命的印鈔票， 以為把市場堆滿了錢就能讓經濟變好 ， 而不考慮供應與消費間的關係 。我想這樣下去再多少年也沒有用(已經滿多年了吧？)，有錢的人雖然負債更多，但資產也更多，是主要受惠者。一般人在供應端大增競爭對手眾多的情況，在企業所獲得的薪水一直停滯不前，這難道不就是現在的情況？ 那要如何解決呢？簡單說，要逐步調高利率是勢在必行(不是一下調高)，當然這可能會讓股市下跌，或某些負債過高的企業破產，但不破則不立，若不願付出任何代價，只想一直印鈔票，來改變不景氣的情況，那也是不可能的啦。而且若政府的思維一直在「產業升級」啦~「增加企業競爭力」啦～而不從增加消費端的能力去著手，那也只是看不到盡頭的單行道。 很多人懷念以前台灣錢淹腳目的時代，這指的大概是在上個世紀八０年代末，那時台股一萬二千點，各行業欣欣向榮，利率更在百分之九左右(1989年)，對比現在百分之一左右，差別還真大。那時的錢大多在消費端上，行業間的競爭遠不如現在，更沒有全球化，所以中國印度等高人口國家還尚未加入...

今年(2014)年底國家交響樂團將演奏荀白克的 古勒之歌 (Gurrelieder)，這是繼2011年演奏馬勒第八號千人交響曲後的又一盛事，荀白克的「古勒之歌」是歷史上編制最大的曲子之一，無論其作曲技巧或是複雜的結構，在歷史上都是罕見，全曲於歐戰前一年的1913年首演，此時堪稱是歐洲文明的顛峰，可說為這時代做了最好的註解。 「古勒之歌」分成三個部分，大致由十一首歌曲和幾首合唱曲、說唱曲等組成，有點類似清唱劇，但也很像連篇歌曲，不同之處只是每首都串連起來，成為一個整體。荀白克此曲的構想原先是為了參加維也納音樂之友協會的音樂作品競賽，為此他選擇了丹麥詩人賈克布森寫的小說「仙人掌開花」中的一段長詩，將之譜寫成音樂，這長詩是描寫在丹麥的一個國王魏德麥爾，與住在古勒的愛人多薇的故事，兩人的熱戀因為多薇被忌妒的王妃殺死而結束，魏德麥爾非常悲傷，他痛責神明而遭到懲罰，自此後成為遊魂，在世間徘徊不去，直到日出才獲得安息。 荀白克從1900年開始作曲，到1901年完成了第一、第二部分，第三部分也寫了大半，但可能是因為構想太過龐大，他本身也因為辭去工作，專靠作曲為生，所以經濟情況不佳，一直未能完成，後來因為大作曲家理查‧史特勞斯的協助，得到了「李斯特獎」的獎金與音樂院的教職，才得以於1911年完工，他為了這浩大的「工程」，還去訂製了四十八行的五線譜紙，成為當時的佳話。 他把前面的九首詩寫成九首歌曲，然後用國王與愛人男女輪唱的方式，互相傾訴對彼此的愛戀，這談情說愛的場景配上大規模的管弦樂團伴奏，可說是將古典音樂的浪漫氣氛發揮到最極限，繼承了華格納「崔斯坦與伊索德」第二幕的晚期浪漫派精神，第三部分的小丑音樂與說書人的半說半唱形式，則被認為與他後來進入了無調音樂領域有關，所以「古勒之歌」可說是承先啟後，成為連接浪漫派與現代音樂的橋樑。 但這麼重要的作品卻因為演出需要的花費太過龐大，以及言詞深奧的原因，而一直無法普及，尤其歌詞(詩文)在從丹麥文翻譯德語後，更是令人費解，中文翻譯者也因此很少去嘗試翻譯這部作品，但這次為了年底的演出，我特別嘗試去翻譯了全部的歌詞，希望能對理解這部曲子有幫助。 看以上影片，這是指揮家夏伊指揮柏林廣播交響管弦樂團所演奏，是近來的名演，剛開始長笛就不斷的震音，再加上豎琴等的輕輕撥奏，讓人聯想到水波搖曳，以襯托第一首歌曲中的湖景，然後越來越多樂器加入，除了四管...

  德布西在彈琴，蕭頌站在他身旁，1893年攝。 十九世紀末的法國作曲家蕭頌，家境富裕，自從巴黎音樂院畢業後，就投身於作曲，並與許多藝文界與音樂界人士往來，印象大作曲家德布西也曾是他的座上賓，風格也多少受到他的影響，後來兩人雖因故絕交，但德布西仍然尊敬蕭頌，還特別欣賞他的「 詩曲 」(poeme,1896年)，尤其是結尾部分，德布西認為：「沒有什麼比結束時那夢幻般的柔和更加令人感動了...當音樂將一切細節和軼事都置之度外，僅僅只有那細膩的情感，這是藝術作品中轉瞬即逝的那一瞬間。」 聽不太懂他在說什麼嗎？沒關係，因為歷來「詩曲」這部作品就一直令人困惑。沒錯，它是小提琴協奏曲的最高傑作之一，但也有人認為其缺乏節制，情感氾濫且過分甜膩，甚至憂鬱。而對我來說，蕭頌與他的恩師法朗克的音樂作風本來就是如此，他們的音樂裡有極其複雜華麗的裝飾與和聲，反而常常阻礙了世人對他們的了解，認為不夠簡潔有力，可是「詩曲」僅僅只有十五分鐘左右而已啊... 這首小提琴的不朽名作，是在蕭頌讀過屠格涅夫不怎麼有名的小說「 愛情的勝利之歌 」產生靈感的，其詳細內容無從得知，只知道大意是說在義大利的費拉拉，有兩個男子，一個是「繪畫」，一個是「音樂」，他們同時愛上了一個女子，最後「繪畫」抱得美人歸，「音樂」在傷心之餘跑去斯里蘭卡(也跑太遠了吧...)，然後從那裏的印度人學到魔法，用小提琴演奏魅惑的旋律來讓人恍惚語陶醉，他回去費拉拉後，就用小提琴讓那女子如著魔般的心神動搖，好橫刀奪愛，可是「繪畫」挺身而出，殺了「音樂」，兩人繼續過著幸福快樂的日子～至於「音樂」，則被印度人施了魔法，屍體竟然自己乘著馬消失了...如此奇幻的故事，大概可以說明「詩曲」為何是小提琴協奏曲，結尾又為何如此神祕與曖昧不明了。 https://www.youtube.com/watch?v=4TQFgydaLMc 看以上影片，這是由印度大指揮家祖賓‧梅塔指揮以色列愛樂交響樂團演出，小提琴獨奏是Vadim Repin，大概比我標註時間慢兩秒。一開始音樂就斷斷續續，有人說這是曲子的第一主題，但我覺得如此沒旋律性的音樂應該只是「 序奏 」，另外還用了華格納歌劇「崔斯坦與伊索德」著名的「 崔斯坦和絃 」(下圖譜例綠色格子處,影片0:15處)，表達出他對華格納此作的熱愛。其實不知道「崔斯坦和絃」是什麼也沒關係，這只是一種四度和弦的...

  法國後期浪漫派作曲家蕭頌(Ernest Chausson,1855-1899)並不算很有名，但也絕非可一筆忽略 的作曲家，在法國與十九世紀後半的音樂史中有其獨特的地位。他的作品雖少，但都是他精心創作的成果，家境富裕的他不用辛苦工作，有時甚至可為一小節音樂想好幾天，也酷愛收集畫作，是標準的藝術家式人物。 他早年進入巴黎音樂院與西撒‧法朗克學習，並對法朗克極為崇拜，所以作品也具有某些法朗克的特質，我本身算是非常熟悉法朗克的音樂，所以可以列舉出不少他們的相似之處～如他的交響曲也是模仿法朗克交響曲的三個樂章，曲式也極為接近，兩人都喜歡華格納式的半音階和聲，還都特別喜歡雕琢音色。但蕭頌比法朗克更愛使用五聲音階，所以更具東方的意味，對曲子的裝飾也更繁麗，這在他的代表作「愛與海洋之詩」(Poème de lAmour et de la Mer,1892年)與為小提琴與管弦樂團所作的「詩曲」(Poeme,1896年)都可以聽得出來。 「愛與海洋之詩」他花了十年才完成，首演就獲得成功，他將朋友摩里斯‧布蕭爾(應該是沒什麼名氣的詩人吧...)所作的「九十首愛與海洋之詩」中選了幾首譜成音樂，由男中音獨唱，管弦樂團伴奏，算是連篇歌曲，但又靠著管弦樂的間奏，把每首詩連結在一起，所以凝結成了一首曲子，內容大概是說一個男子從渴望愛，到與愛人相遇，最後失戀的過程，以下是我對全曲詩篇的試譯： 第一部分：水中的花 「 預感」(以上影片0:00-3:12處，影片由男中音Gérard Souzay演出，但目前已被刪除，保留時間標記) 空氣中滿是紫丁香花的奇妙氣味　從牆壁上到下開滿的紫丁香花　 讓女孩們的髮絲染上薰香　海在太陽中整個燒了起來 在細白的沙灘上　波浪像親吻般的接近與翻轉 噢　天空　帶有她瞳孔顏色的天空　在紫丁香花開中歌唱的風 那讓所有景物都染上薰香的風　小河啊　那沾濕她衣服的小河 噢　綠色的小徑　那她可愛的小腳走過的小徑　讓我和她相遇！ 3:26開始是管弦樂的間奏，在此可見到非常華麗繁複的音樂裝飾，長笛與豎笛、低音管等用快速的三十二分音符互相接應，此起彼落，表現出海洋般的廣闊與流動感： 「 相遇 」(以上4:54影片處) 我的心曾在那夏天的早晨甦醒　一個美麗的少女在岸邊　 她澄澈美麗的眼神向著我　羞澀的向我微笑 展現青春與愛所有美好姿態的妳　像萬物...